Console Syndrome

Suite au récent test de Pure, il a été mis en lumière qu'une des plus grosses réussites de ce jeu était sans nul doute le grand plaisir ressenti résultait en y jouant. La sensation de défouloir gigantesque ainsi que l'ambiance fun de manière générale ont fait de ce jeu une des grandes surprise de septembre. Alors, outre la réalisation hallucinante et tout bêtement le fait de faire n'importe quoi sur un quad à des hauteurs vertigineuses, je pense que la bande originale est pour beaucoup dans cette débauche de joie de vivre. Retour sur une musique qui indéniablement ne vous laissera pas indifférent.

D'un point de vu global tout d'abord, l'ensemble de cette bande originale est une compilation de morceaux. Donc, si vous le voulez bien, au menu pas de rétrospective sur un éventuel compositeur talentueux mais plutôt une sorte de corrélation entre musique, symbolique du jeu et attitude des protagonistes. Mais, dans un premier temps, un petit coup d’œil sur la tracklist de Pure me parait important, voire même essentiel. Le style est assez varié : composée de 25 titres au total, ce qui n'est pas mal du tout, cette BO repose sur des morceaux essentiellement rock ou electro-rock. De multiple influences se démarquent, ainsi on aura des morceaux rappelant la grande époque de Kiss (Wolfmother, Pop Levi) et on ne pourra pas s'empêcher de penser à ACDC après une écoute de The Datsuns. Mais on retrouvera également des groupe aux références un peu plus récentes tel que The Futureheads, aux accents très pop british, ou encore The Wings, évoquant les Foo Figthers. Et c'est sans parler des morceaux electro pop. Bref que des ziks soigneusement choisies pour vous mettre le speed. Chaque titre vous mettra d'ailleurs dans le bain de la course puisque chacun exprime le message premier du soft de Black Rock : toujours plus loin toujours plus vite. Alors que peut-on déduire de tout ça ? Du rock (excellent) des quads (magnifique), les plus beaux paysages du monde (grandiose), et des jeunes milliardaires (superbe)...

Si je vous dis le Springbreak, ça vous dit quelques chose ? Certainement ! C'est le moment de l'année où les étudiants américains se lâchent et font n'importe quoi à Tijuana. Pure est tout à fait dans cet esprit là. Il faut juste injecter une petite dose d'un truc dont on n'avait pas parlé depuis un bout de temps, le rêve américain. Ces jeunes inconscients (puisque vraiment inconscients) nous font quelques part rêver. Vous n'auriez pas envie de tous plaquer pour partir aux quatre coins du monde pour vivre votre rêve ? Qu'il soit de faire du quad ou d'autre chose ? Avoir tellement d'argent que vous n'en avez vraiment plus rien à carrer de votre banquier ? Pffffffff le quad : ouais, pourquoi pas... En Thaïlande ? Ah ouais !!!. Et bien la BO de Pure vous dit tout ça, elle vous dit de tout plaquer, que le fric n'a plus d'importance. La seul chose qui compte, c'est d'être rock. Les grosses batteries bien mixées en avant vont résonner dans vos têtes, les solos de guitares vous empêcheront de dormir. Ce jeu est un concentré de Springbreak, un appel à la liberté. Alors, en ces temps de crise financière, on peut presque se demander si Pure peut être assimilé à un antidote pour le moral des ménages. Et bien presque, non pas que la BO vous transporte vraiment loin, après tout le rock, la pop, on en entend tous les jours, mais parce que cette dernière vous fera, l'espace de quelques instants, l'impression d'un électrochoc, faisant ressortir le révolutionnaire qui est en vous.

Que l'on ait aimé ou pas ce jeu, le moins que l'on puisse dire c'est que la BO a été plus que réussie, elle colle parfaitement à l'ambiance "foufou" du soft. Elle rappelle une certaine forme d'insouciance, de festivité qui ne sera pas sans rendre la plupart d'entre nous envieux. Et c'est bien là le propre du jeu vidéo, procurer du rêve, oublier les problèmes de la vie courante, les crédits, la paye misérable, les impôts... Là, vous n'êtes qu'un jeune qui s'éclate avec de la pire musique dans les oreilles. Bref, le jeu est une réussite en partie grâce à sa BO. En ce sens bravo aux gens de Black Rock qui ont su complètement percevoir l'importance d'une bande originale dans ce genre de produit.

Ecrit par Kreu

[Best-of] La musique est peut-être l'une des plus belles inventions de l'être humain (après l'écriture pour citer un perso du film Fight Club). Loin d'être un expert en la matière, il est facile de savoir qu'elle tient un rôle prépondérant dans le secteur du jeu vidéo. Certaines se démarquent cependant plus que d'autres, permettant une immersion différente dans le soft. Nous avons voulu témoigner de notre profonde admiration pour certaines d'entre elles en leur rendant hommage. Ainsi, loin d'être une critique pointue, à la team de CS on a tenu à vous présenter celles qui nous ont le plus marqué, relatant nos émotions dans divers passages de jeux.

Test Musical volume 1 - Kameo
Test Musical volume 2 - Fight Night round 3
Test Musical volume 3 - Kingdom Hearts II
Test Musical volume 4 - Fahrenheit

La musique dans Fahrenheit tient un rôle prépondérant. Le jeu flirtant avec le cinéma elle permet, comme dans un film, une implication grandiose dans l'univers et dans l'action. Quoi de mieux donc que de choisir un compositeur sorti tout droit du cinéma ? Fahrenheit étant doté d'une ambiance toute particulière à la base, il fallait donc à Cage un monsieur qui sache appréhender ce genre d'esprit. Il opte alors pour Angelo Badalamenti (le monsieur sur l'image de une). Nom pour le moins étrange aux oreilles d'un néophyte, mais sachez que cet homme est responsable de la plupart des bandes originales de David Lynch. Ils ont notamment collaboré sur Twin Peaks (la série et le film). Bref c'est un ponte. En jouant au jeu, on peut tout de suite distinguer ses morceaux des autres. Ils sont différents. "Lucas' Main Theme" et "Carla's Main Theme" se démarquent par leurs singularités. Mais en approfondissant un peu, c'est l'ensemble de la BO du jeu qui est singulière. Ce n'est pas une BO de jeu, mais bien une créée comme celle d'un film.

Vous l'aurez compris, je vais insister une nouvelle fois sur l'aspect cinématographique de Fahrenheit. Mais bon, là c'est tellement flagrant, nous ne sommes pas dans l'excès habituel du jeu vidéo. On est loin d'un jeu d'aventure classique, avec un BO pleine de moyens et de la grosse cavalerie à tous les étages, c'est une BO toute en souplesse, posée, mettant en exergue la qualité scénaristique et de la réalisation au sens "mise en scène" du terme. Enfin, on ne peut rester indifférent tant elle colle à l'ambiance générale du soft. Les deux morceaux de Badalamenti sont magnifiques dans leur justesse vis à vis de leurs fonctions. En effet, ils sont consacrés aux deux personnages principaux de l'histoire, Lucas et Carla. Le thème écrit pour lui est torturé, plein de mal-être, le désespoir est présent également. C'est un morceau plutôt mélancolique dans ses grandes lignes. On peut ressentir un brin de fatalisme, comme si Lucas s'était arrêté pour nous dire : "pourquoi moi ?". Cette impression est due en grande partie à l'utilisation des instruments à cordes : beaucoup de violons et de violoncelles jouant très lentement, comme si eux-mêmes étaient défaitistes. Puis le morceau remonte dans les aigus, comme pour signifier la sortie d'un long tunnel ; une sorte d'espoir naissant, qui finit par s'écrouler à la fin. C'est en gros l'histoire de Lucas dans le jeu, la retombée musicale concernant la fin, où quoi qu'il arrive, d'énormes responsabilités lui incomberont. Responsabilités dont il n'a pas voulu, d'où le défaitisme certain que m'inspire ce morceau.

Le thème de Carla est quelque peu différent, car même si l'on est en présence d'instruments à cordes, leur utilisation est légèrement autre. Déjà, la présence d'un piano rend le tout beaucoup plus abordable, il représente pour moi une certaine forme de naïveté, tout en restant inquiétant. Cela me fait penser à une musique de film d'investigation. Vous me direz certainement que le comparatif est facile mais c'est vrai, on imagine tout à fait un flic de polar rentrer dans une pièce noire avec sa lampe de poche pour découvrir deux minutes plus tard la présence d'un cadavre sanguinolent. Pour l'aspect naïf, je pense en fait à l'évolution de Carla dans l'histoire. Elle n'a conscience de rien au début, elle enquête sans savoir. Puis, on enchaîne sur la partie sans piano, et donc légèrement plus inquiétante. Celle-ci est d'ailleurs entamée par un grand coup de caisse claire, comme si l'on venait de sonner un glas symbolique. Cette période se rapproche de sa traque de Lucas. Puis, plus on avance, plus on se rapproche de la situation du début, vers une naïveté certaine. Sentiment que l'on comprend puisqu'à la fin, elle est enceinte, et n'a quasiment aucune idée de ce que Lucas a comme responsabilités. Mais globalement, la fin du morceau exprime comme une sorte de sentiment d'accomplissement, elle a l'air sereine. Reste juste une petite intuition, exprimée musicalement par l'impression que ce morceau est incomplet. La dernière note est comme laissée en suspens, laissant toute les questions ouvertes.

Le reste de la BO est certes intéressant, mais globalement l'essentiel est condensé dans ces deux morceaux, le reste étant pour moi un peu caricatural, même si en prenant Fahrenheit comme un film, les clichés doivent être légions (le flic black qui ne sert pas à grand-chose, c'est vu et revu, Cage lui fait écouter de la disco et habiter dans un musée des années 70, même si perso je suis fan de ce genre de musique). Mais ce qui me dérange plus, c'est que pour Carla et Lucas, la musique qui leur est associée permet de faire passer un message, de comprendre leurs psychologies, d'approfondir la relation qu'a le joueur avec ses personnages. Bref de créer un dialogue. Et pour Tyler ce message est un peu plus dérangeant car léger et caricatural une nouvelle fois. Mais ceci n'est qu'une interprétation et elle peut laisser perplexe. Mais c'est pour cela que je terminerai en disant que c'est une BO extrêmement réussie, car porteuse de polémiques, un peu à l'image du jeu.

Posté par Kreu

Troisième test musical, consacré à Kingdom Hearts II et sa B.O. Non pas qu’elle soit remarquable - et vous verrez pourquoi ci-après - mais certaines choses font que des éléments musicaux ou apparentés ressortent, et méritent toute notre attention. Nous aborderons des thèmes plutôt étranges dans un test musical, mais après tout, n’est-ce pas le propre de cette rubrique, vous surprendre encore et encore ? Mais trêve de bavardages inutiles, ou presque, et laissons place à la musique.


Tout d’abord, parlons de l’auteur ; c’était elle qui déjà sur le premier opus nous faisait frémir grâce à de sublimes musiques dignes des plus grands compositeurs. Mais au fait, qui est-elle ? Il est vrai que cette personne, aussi douée soit elle, n’en est pas moins inconnue au bataillon. Et bien figurez-vous que le talent paie toujours, car si elle n’est pas trop connue ni chez nous ni aux Etats-Unis, elle œuvre pourtant depuis bien longtemps pour l’industrie du jeu vidéo. Ainsi elle est à l’origine de la musique de Parasite Eve 1 et 2, mais aussi, bien avant, de Front Mission (et même si elles ont été réalisées en compagnie de Noriko Matsueda, c’est à partir de ce moment-là que son talent sera révélé au grand jour) ; suite à cette grande réussite, Nobuo Uematsu lui demandera de réaliser les musiques de Super Mario RPG, et là encore, le résultat fut plus que probant. Bref vous l’aurez compris, la dame n’en est pas à son coup d’essai. Alors son travail va-t-il coller aussi bien aux personnages du second Kingdom Hearts, plus travaillés, plus adultes, qu’à ceux du premier ?

Shimomura, la talentueuse compositrice des jeux Parasite Eve ou Legend of Mana, entre autres

Tout d’abord, les premières notes du jeu. Elles interviennent après un long silence. Et c’est une chose importante dont nous reparlerons plus tard. Ces notes sont douces et légères, collant parfaitement au fond, qui représente Sora mangeant une glace, les pieds dans l’eau. Tout ceci sur de jolis tons pastels et sur fond blanc. Il fallait cet intermède. Le joueur assidu (j’entends par là le joueur ayant joué aux trois KH) attend ce moment avec impatience. Cette musique soulage, rassure. On va retrouver Sora, le sortir de son mauvais pas. Quant aux autres, les néophytes, c’est une musique d’accroche, qui donne envie d’aller au-delà de ce simple écran titre, comme l’envie de se laisser bercer par le flot régulier de notes, tel un cours d’eau qui nous raconterait une histoire…

Un des points qui avait fait le succès de la bande originale du premier KH, c’est son thème, Simple and Clean. Après ce court intermède sur le menu, la partie s’engage, et avec elle, la cinématique de début de jeu. Les premières notes du nouveau thème se font entendre. The Sanctuary, tel est son nom. Ce n’est pas au hasard que ce nom a été choisi. The Sanctuary, sanctuaire en français, représente le cœur et l’aspect fermé de celui-ci, symbole de tous les secrets de l’Homme, l’âme en quelque sorte. Il rappelle aussi la condition de Sora dans son enfermement, comme prisonnier de son propre cœur. Contrairement au premier thème, celui-ci s’avère plus plat dans sa construction, et donc forcément décevant à la première écoute. Simple and Clean était plein de frasques, il s’envolait de temps à autre, pour redescendre par la suite, bref, c’était un morceau plein de vie. Cependant ne vous méprenez pas, The Sanctuary prend une toute autre dimension si on le réécoute après avoir fini le jeu. Il est comme Sora, je dirais même que c’est en fait Simple and Clean qui a grandi. La musique se laisse moins emporter par son propre entrain. Elle est plus mesurée, plus adulte, plus mûre, par moment même difficilement compréhensible. Bref, elle réagit comme notre héros, et finalement comme chacun de nous…

La jaquette de l'OST

Les premiers contacts avec le jeu en lui-même s’effectuent de manière plutôt timide. C’est un nouveau héros, Roxas. Les «habitudes» de jeu changent donc. Si on fait la comparaison avec le premier, on sort d’un Sora tout fou, et on arrive sur un Roxas moins péchu, un peu renfermé, bref timide. La musique colle parfaitement à ce ressenti. C’est une mélodie en demi-teinte, que l’on ne remarque pas trop. Elle est cependant chaleureuse si on s’y attarde un peu. Tantôt lancinante mais rarement lassante, elle s’associe à merveille avec la ville et l’univers qui l’entoure. Twillight Town (ville du crépuscule) est en effet mise en valeur par des couleurs chaudes qui mettent en exergue l’instrument principal de la mélodie : beaucoup d’orange, de rouge, etc.… De plus, c’est la fin des vacances et pour la bande de jeunes dont vous faites partie, cela veut dire beaucoup. Ce genre de musique s’adapte donc tout à fait à la situation de ce début de jeu.

De manière plus générale, les musiques sont plutôt sympas, mais il manque quelque chose. En effet, elles sont changeantes en fonction du décors, vous avez en gros trois musiques par monde, une pour les combats, une pour les phases courantes, et une pour les boss. Bref, elles ne sont pas faites sur mesure pour le héros, mais se calquent plus sur les mondes explorés. Cependant, un détail sauve la donne, la gestion des silences. Si on prend l’espèce de tutorial où l’on joue Roxas, l’ambiance est créée par une subtile alternance de silences musicaux, suivis d’une reprise subite de la mélodie. Cet effet empêche la redondance des mélodies, et vous tient en haleine lors des principales phases scénaristiques. Bref, le mérite revient peut-être plus à la réalisation et au mixage qu’à la compositrice elle-même (sans renier son travail).

Posté par Kreu pour Console Syndrome
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